Autor: HISDEA

José Luis Serzo (Albacete, 1977) es un artista multidisciplinar quien a través de sus pinturas, dibujos, fotografías, objetos, instalaciones y literatura unifica un discurso donde la realidad y lo imaginario se plasman de manera original en una puesta en escena. De esta manera, logra crear diversas exposiciones-relatos que le permiten explotar las distintas disciplinas.

Comenzó sus estudios de Humanidades en Albacete, para luego estudiar Arte en Toledo. Sin embargo, finaliza sus estudios en Madrid para pasar muy pronto a realizar varias exposiciones en museos, centros de arte, galerías y ferias alrededor del mundo, como en Münich, Madrid, París, Berlín, Praga, Buenos Aires, entre otros.

Así mismo, Serzo se ha aventurado al mundo del cine produciendo un cortometraje llamado ‘Archimétrica’, el cual ha ganado varios premios a nivel internacional entre el 2020 y el 2022. Además, cuenta con varios espacios dedicados a su trabajo, como el Espacio Serzo Morille o el Espacio Serzo en Santa Marta, «creándose así la Ruta Serciana en la provincia de Salamanca», en palabras de David Mingo, alcalde de Santa Marta.

Tu obra abarca la pintura, la escultura, el vídeo, las instalaciones… pero, ¿con qué medio te sientes más cómodo, por qué?

La verdad es que no tengo muchas preferencias, cierto es que cuando me embarco en alguna obra audiovisual he de delegar trabajo en colaboradores extra, lo que dificulta y complejiza más el proceso. Por lo que, he de confesar, suelo preferir trabajar en obras donde no dependa de nadie en absoluto, esto es: dibujo, pintura, escultura, etc. Me lo paso muy bien trabajando, es mi pasión, así que soy un total privilegiado. De igual modo no concibo otro modo de crear, el éxito de la obra está en esa pulsión entusiasta que te engancha en el proceso, persiguiendo ese misterio que subyace de cualquier obra auténtica. El concepto de comodidad como tal no lo barajo en mi vocabulario, los riesgos y la zona de confort se abandonan en la búsqueda del enigma constante, y eso se encuentra en todas las obras que hago. O a eso aspiro al menos.

¿Qué es lo que te mueve y te inspira?

La vida misma, como a cualquier ser humano, supongo. Pero el arte me sirve de estímulo constante cada día, pues es para mí, la mejor manera de entender la misma vida y destilarla en un lenguaje inabarcable. Soy un apasionado y un verdadero friki de la historia del arte. Pero también del cine, la música, y todo lo que lo nutren, la filosofía, la mitología, la sociología, la alquimia, la psicología, etc…

De todas las invenciones de tus personajes, como en el sueño del rey (de la República), en las tentaciones de Courbet, el ferretero y cuenta-cuentos Pietro Ferro, o incluso tu alter-ego Blinky Rotred, ¿cuál es tu favorito? ¿por qué?

Todos son parte de mí, como cualquier creación propia, y aunque Blinky Rotred sea el más parecido a mí funcionando como alter ego por antonomasia, los quiero a todos como hijos que son, todos son criaturas que tienen una pulsión catártica, una voluntad de cambio radical en sus vidas, una locura o valentía que los hace lanzarse a su abismo para encontrarse a sí mismos. Eso es lo que me emociona de la gente, y es lo que intento reflejar en mis personajes: la angustia existencial que intentan romper con valentía, su búsqueda de la autenticidad, sin deparar en lo que opinen los demás. Destrozar moldes, de cualquier tipo, ideológico, cultural, familiar, para construir su traje a medida.

¿Cómo surgen las invenciones de tus personajes? ¿Bajo qué intención?

Son arquetipos diversos, pero ciertamente universales. Donde es fácil sentirse de algún modo identificado como espectador, pues todos los roles que representan suelen estar en la mayor parte de nosotros. Poder, éxito material, privilegio heredado (un rey anónimo, un ejecutivo adinerado, un constructor), un acomodado miedoso, un entusiasta apasionado, etc. El rey de la república, por ejemplo, es un arquetipo universal de poder, de privilegio heredado, pero qué al mismo tiempo, y paradójicamente, sume al personaje en una angustia o anhelo profundo de verdadera libertad para decidir su destino, para liberarse de ese cargo impuesto y pesado que lo mantiene encerrado en una jaula dorada. Con esta serie quería contar una historia que se repite cada día en cualquier persona. Cada individuo, por muy privilegiado que parezca, puede tener su vía crucis interna, profunda, y creo que nadie puede ni debe juzgarla desde fuera. Debemos procurar un respeto al prójimo, incluso a nuestro propio enemigo, evitar que la envidia y nuestros conflictos internos se abalancen sobre otra persona, pues nunca sabremos en profundidad con qué demonios o infierno interior se bate cada día. Pienso que todo el mundo lidiamos con nuestros propios traumas, angustias, sueños frustrados. Mis personajes nacen para llegar a ser un posible reflejo de cualquier historia catártica, se muestran como acompañantes de ese camino hacia la liberación de cualquier dolor y por lo tanto hacia la “felicidad” (por llamarlo de algún modo) que todos anhelamos o deseamos en nuestras vidas.

¿Cuánto hay de real y de imaginado en tu obra? ¿Cómo es el proceso?

Cada historia o serie nace acorde a un momento vital personal, pero también con una resonancia social e histórica. Pretenden ser metáforas vitales de la naturaleza y condición humana. Supongo que eso no tiene nada de original. Pero sí es cierto que muchas series nacen gracias a la invitación de un comisario, director de museo o interlocutor, por lo que muchas series tienen su inicio con una suerte de encargo para la cual fueron concebidas. Luego todas con el tiempo fueron creciendo y tomando total autonomía.

¿Cuáles son las principales narrativas que podemos encontrar en tu obra?

Son casi todas historias de una catarsis, de una transformación. Los personajes principales se lanzan a su propio abismo, quizá para encontrarse a sí mismos, para liberarse de lo que les oprime, encontrar esa realización espiritual. Son pequeños relatos con una semilla esperanzadora.

¿En qué se basa tu arte? Dime, al menos, 3 palabras que lo definan.

Me resulta muy difícil sintetizar tanto todo mi trabajo, ya que al fin y al cabo es mi propia vida. Pero para entrar en el juego, y así a bote pronto, te diría estas tres palabras: Esperanza, misterio, juego.

(Imágenes cedidas por el artista)

El talaverano Fernando de Ana habla con nosotros sobre sus últimas creaciones y los próximos proyectos.

Fernando de Ana (Talavera de la Reina, 1979) es artista licenciado en Bellas Artes. Primero fue ilustrador y creador de dibujos animados, para después pasar a ser artista plástico y director de arte durante 10 años en Holanda, llevando a cabo una brillante carrera. Desde entonces ha expuesto en numerosas ciudades como Praga, Bolonia, Ámsterdam, Londres o Madrid, entre otras, y también ha participado en importantes proyectos para Stella McCarthey, Gucci o Disney. 

Y todo esto no es de extrañar, pues Fernando pertenece a la tercera generación de artistas de su familia. Su tío abuelo, José Pérez, fue pintor y el primer Director del Museo de Arte en Cádiz; y su padre, Juan Carlos Jiménez, también pintor y Doctor en Bellas Artes. En sus últimos trabajos artísticos el talaverano ha demostrado su maestría combinando la frialdad de la resina con la calidez del neón, lo que le permite jugar con los reflejos, las luces y las sombras. De esta manera, logra que el espectador se vea reflejado en sus obras, piezas en las que el artista aborda temas muy personales.

A través de tus obras logras que el espectador se vea reflejado en ellas, pero, ¿y tú, con cuál de tus obras o proyectos te sientes más identificado? ¿por qué? 

A día de hoy, la gente comienza a identificarme con las resinas y las geometrías, así como con los reflejos y los neones. Estas son piezas más estéticas, correctas y decorativas en las que pongo de manifiesto la idea de la contención, dominando la resina y la geometría bajo ideas muy cuadriculadas. Soy una persona muy nerviosa y esta técnica supone un ejercicio un tanto terapéutico en mí, lo que me ha permitido experimentar y expertizar en él mientras busco el orden en mi propio caos. 

Pero, a pesar de que éstas sean las obras que más me caracterizan, lo cierto es que con la que me siento muy reflejado es con la nueva serie que voy a hacer llamada “Cruising y coños”. Una serie que, tal y como indica su título, va a estar relacionada con el cruising, las relaciones homosexuales, el sexo, la libertad y lo escondido, lo que está ahí pero no se ve. Mientras que los coños se inspiran en las mujeres, me permiten hablar de cosas cotidianas y costumbristas, pero con un trasfondo un tanto reivindicativo. Mi intención aquí es poner en valor la figura de la mujer, con todo lo que tiene que acarrear a su paso, mostrando diversas situaciones cotidianas con las que deben lidiar, como, por ejemplo, algo tan habitual como ir al baño, una situación que para las mujeres supone una dificultad mayor que para los hombres. En esta serie intento que cada una de las obras que la conforman contengan mensajes implícitos que reten al espectador a generar un diálogo con la obra. Un ejemplo de esto es la obra “¿Qué miras?”, una pieza que habla del género y en la que no sabes si el personaje es un hombre, una mujer o un transexual. 

Para ti, ¿qué es lo más fundamental durante el proceso en el que creas la obra? 

El proceso fundamental es el boceto. Yo no parto de la espontaneidad, primero hago una investigación y hago la idea en mi cabeza, luego lo plasmo en un boceto a mano, después lo transfiero al ordenador y, cuando lo tengo claro, ya voy a por ello. Estas técnicas no permiten margen de error, y aunque de los errores he aprendido y me han permitido tener nuevas ideas, intento tenerlo todo muy controlado para evitar que esto pase. Pero el proceso más importante es tener la idea muy clara en mi mente y saber cómo voy a realizarla. 

Das mucha importancia a la comunicación entre la obra y el espectador, pero ¿cómo de importante crees que es la difusión y promoción de tu obra? ¿utilizas los medios para ello? 

Yo empecé con Instagram, pero a veces el crear nueva obra y mantener las redes sociales al día se hace tan pesado que decidí que mi promoción la hiciera la galería que me representa en España, GÄRNA Art Gallery. El poder de las redes sociales, en concreto Instagram, es increíble y me ha alucinado. Muchas personas me han contactado a través de esta red, desde importantes coleccionistas, hasta galerías y representantes. Hay que estar actualizando constantemente tu progreso, es muy importante que la gente vea que estás en constante movimiento, por eso la galería juega un papel fundamental ayudando al artista a través de la comunicación. 

¿Por qué decidiste estudiar Bellas Artes? 

Mi padre es artista y desde pequeño siempre he sido muy creativo, por eso se me daba muy bien. Con tan solo 13 años ya hacía dibujos animados. Pero, aunque siempre me gustó el arte, no me supuso una gran pasión, en ese momento estaba un poco despistado. Fue mi padre el que me fue guiando paulatinamente, por eso él ha sido una figura muy importante para mí. Fue catedrático de Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid y quien me guio durante mis primeros pasos. Él era quien me informaba y quien me llevaba a las exposiciones, en aquel entonces yo no sabía si hacer Bellas Artes, Educación Física o Interiorismo. Finalmente, decidí presentarme al examen de Bellas Artes, que en aquellos momentos era un examen muy potente y difícil de superar, pero me presenté y lo logré. Cuando empecé los estudios me pareció muy entretenido, pero todavía no tenía del todo claro lo de ser artista profesional, e incluso pensaba en dedicarme a la danza.

Luego me fui a Holanda y después de Bellas Artes me dediqué al diseño gráfico, pero siempre me quedó la espinita de pintar, por eso siempre he hecho ilustración, lo que me permitió tener la oportunidad de trabajar para Disney y Marvel. Después decidí abandonar mi zona de confort, y estando trabajando como Director Artístico en una Agencia de Comunicación decidí vender el piso e iniciar una nueva vida en el sector artístico. Puse toda la carne en el asador porque vi que el arte cada vez me iba gustando más y era a eso a lo que me quería dedicar. 

¿Qué fue lo que impulsó que salieras de tu hogar natal, trasladándote a Holanda, para acabar radicando finalmente en Talavera? 

Me fui a Holanda por una relación personal, porque conocí a un chico que era arquitecto y estuve allí 11 años como diseñador gráfico. Fue por puro amor y también porque me apetecía estar en otro país y salir de mi zona de confort. Me gusta mucho viajar, cuando hice el Erasmus me di cuenta de que quería probar a vivir fuera de mi país y, bueno, fue una experiencia muy enriquecedora porque pude acceder a campañas muy importantes. Allí estuve trabajando para Nike, Gucci y una bolsa de clientes a la que es más fácil acceder desde allí que desde España. 

¿Ha influenciado en tu obra tus años en Holanda? ¿Cómo lo ha hecho? 

Si, totalmente. No sé si crearía otro tipo de obra, pero tengo claro que me vino muy bien. Tuve la oportunidad de viajar y ver mucho. Es un país genial en tema de diseño objetual e industrial. Además de las experiencias y vivencias, todo lo que ha pasado allí me ha servido, incluso a día de hoy, como inspiración. Cuando la gente me pregunta qué es lo que me inspira, yo les digo que me inspiro en todo, desde una circunstancia que he vivido o una acción que me ha marcado. Y lo cierto es que Holanda fue un país que me marcó mucho. 

¿En qué se basa tu arte? Dime tres palabras que lo definan. 

En la serie de resinas hablaría de técnica, reflejo y estética; en “Piel de aguja” de pulcritud, reflejo y composición; mientras que, de esta última serie que estoy creando, destacaría las relaciones personales, la cotidianeidad y la pillería. Se me hace muy difícil asignar unas palabras que engloben todo mi arte, porque cada serie que creo es muy diferente a la anterior, pero el nexo de unión de todas es, sin duda alguna, la comunicación.

(Imágenes cedidas por el artista)